viernes, 27 de mayo de 2016

Reseña: Alicia a través del Espejo (Alice Thought the Looking Glass)


Imagen propiedad de Walt Disney Pictures, todos los derechos reservados.



Reseña: Alicia a través del Espejo (Alice Thought the Looking Glass)

Género: Aventura/Fantasía
Clasificación: A
Duración: 113 min.

Por Cristhian Ponce.


      El relato de Alicia en el País de las Maravillas es sin duda un pase a un mundo donde la lógica no tiene lugar, gracias a la tremenda libertad imaginativa del mundo. Las aventuras y personajes creados por Lewis Caroll hace ya más de 150 años siguen vigentes hoy en día gracias a que las múltiples adaptaciones fílmicas siguen apareciendo en cartelera. Desde la versión animada que el mismo Walt Disney hiciera en 1951, se ha mantenido un estándar en cuanto a la manera en cómo se concibe al mundo. Por lo menos eso pensábamos hasta el año 2010, cuando Tim Burton lanzo su versión de Alicia. Producida por el mismo estudio de Walt Disney, y siendo una secuela de la película animada, muchos pensamos que el director tendría un acercamiento mucho más arriesgado respecto a la obra de Caroll. Lo que obtuvimos, fue una cinta que no cumplió las altas expectativas que se habían creado alrededor del filme, ofreciéndonos un mundo estético característico del director y un argumento carente de alma propia. Aun con ello, la película recaudo una muy buena taquilla a pesar de las malas críticas. Con eso en mente, el estudio no ha dudado en producir una película basada en el segundo libro: Alicia a través del Espejo.

      De nueva cuenta contamos con un elenco multiestelar encabezado por Mia Wasikowska como Alice; Johnny Depp como El Sombrerero; Cate Blanchett como la Reina Blanca; Helena Bonham Carter como la Reina Roja y a Sacha Baron Coen como el Tiempo, esta vez bajo las órdenes del director James Bobin, pasando Burton a la labor de productor de la película.

      En esta nueva entrega vemos como Alice se ha convertido en toda una aventurera al comandar el navío “Wonder”, mismo que alguna vez perteneció a su padre. Al verse en la encrucijada de perder dicho barco o verse obligada a ceder la casa donde vive su madre, Alice tendrá que decidir si obedece a trabajar para el hombre que alguna vez fue su prometido. Antes de ello, tendrá que ayudar a su amigo El Sombrerero, quien atraviesa por una crisis. Para poder ayudarle, Alice tendrá que ir con Tiempo (quien tiene forma humana) y robar la Cronósfera, un objeto que controla al tiempo y con ello poder remediar muchos sucesos del pasado.

    El argumento tiene buenas ideas, el problema se viene a la hora de la ejecución. La desenvoltura de los sucesos ocurre de una manera intrascendente, en donde nos cuesta emocionarnos aunque sea un poco por lo acontecido en la pantalla. A pesar del espectacular aspecto visual, los sucesos no parecen ser tan maravillosos como el mundo donde ocurren. Tal parece que en varias situaciones tanto director y guionistas olvidan que los eventos ocurren en Wonderland y no en el mundo real.

    ¿Cómo es que pierde el empuje una historia con elementos tan interesantes? Una pregunta con la que nos quedamos sin duda, puesto que al parecer Bobin no aprendió de los errores cometidos por Burton en la anterior cinta, llevando la trama a un ritmo sin consistencia. Elementos rescatables como la figura representada por Alice, la cual aboga por no ser un molde de lo que la sociedad dicta, así como reflexiones sobre el tiempo y la realidad pasan de ser cuestiones primordiales a problemáticas sumamente predecibles. Las actuaciones del elenco cumplen en su mayoría, pero están ahí sin ofrecer nada relevante y  la música de Danny Elfman cumple a secas. No importa que los efectos visuales luzcan impresionantes, los mismos no encubren las fallas.

     Las ideas vertidas por un autor han sido sobajadas a un mero pretexto para explotar un concepto que genere dinero, nada más. Claro, aclarando que el autor en cuestión es Lewis Caroll, por supuesto.


Calificación: 5/10
Imagen propiedad de Walt Disney Pictures, todos los derechos reservados.

domingo, 22 de mayo de 2016

Reseña: La Habitación (Room)

Imagen propiedad de A24 Films, todos los derechos reservados.


Reseña: La Habitación (Room)

Año: 2015
Género: Drama
Clasificación: B
Duración: 118 min.

    La percepción de un niño acerca del mundo se distancia tanto de la manera en la que un adulto observa su entorno, que tal parece que los adultos olvidamos que alguna vez fuimos niños. La admiración por los pequeños detalles, el imaginar todas aquellas cosas que para nosotros son desconocidas, el perder la línea entre lo real y lo imaginario no es tan sencillo cuando no se tiene una idea clara de lo que es una cosa o la otra. Parecen cosas obvias, cosas que todos los seres humanos asimilamos con facilidad. Pero olvidamos rápidamente que no nacemos con esos conocimientos, que enfrentarnos al mundo real es doloroso, a veces quisiéramos que ese mundo fantástico no se desvaneciera jamás.

    Quizá por eso ver esta cinta nos resulta tan abrumador. En ella, vemos al mundo desde la perspectiva de Jack (interpretado por un magnifico Jacob Tremblay), un niño que apenas ha cumplido 5 años, y que ha vivido toda su vida encerrado en una pequeña habitación al lado de su Ma, la joven Joy Newsome (la mejor interpretación de Brie Larson). Ambos comparten un lazo íntimo, en donde el mundo exterior solo se puede percibir a través de la televisión y el pequeño tragaluz que hay en el techo, donde apenas se logran ver algunas nubes en el día y las estrellas en la noche. El lugar es claustrofóbico, pero para el pequeño Jack es todo su mundo, el único lugar que conoce. No conoce a los árboles, nunca ha acariciado a un perro o sentido la lluvia: para el todo eso es magia, no es real.

    Lo que la madre y su hijo tienen que vivir es duro, pero están dispuestos a enfrentarse al mundo, aun cuando las cosas no sean como uno se las imagina. La analogía del filme acerca de enfrentarnos al mundo real sin duda estremece. No solo se trata de ver que la vida no puede enfrentarse en el cautiverio, además de ello, dejar atrás el pasado no es una cosa sencilla. Por ello, hay que armarse de valor, a pesar de que el mundo es sumamente hostil, aun cuando las heridas son profundas, sabiendo que las cosas no serán como las imaginábamos. La película no engaña a nadie, no es un jardín de rosas sin espinas. Su guion es cuidadoso en ello, logrando empatizar con el espectador haciéndonos participe del dolor de los protagonistas, vibrando con ellos.

    Su fortaleza se incrementa con su coraje mutuo, comprendiendo que vale la pena seguir adelante, aun cuando las consecuencias del dolor no pueden ser borradas. Hay que agradecer al pequeño Jack (o en este caso al director Lenny Abrahamson y la guionista Emma Donnogue) por recordarnos como percibíamos al mundo, su fortaleza y particular visión nos recuerdan una parte de nosotros que jamás debiera irse.


Calficación: 9/10

Imagen propieda de A24 Films, todos los derechos reservados.

Reseña: X-Men: Apocalypse

Imagen propiedad de 20th Century Fox, todos los derechos reservados.

Reseña: X-Men: Apocalypse

Género: Superheroes
Clasificación: B
Duración: 144 min.


Por Cristhian Ponce
      
       La saga de X-Men siempre se ha caracterizado por su particular estilo, lleno de personajes variopintos, tratando de ir más allá de solo ofrecer un vistazo super heroico al mundo de los mutantes. Su argumento suele ser una apología sobre los males de la humanidad y los contrastantes ideales de sus personajes principales, los cuales debaten acerca de que será lo mejor para la raza humana. Ya sea que seamos partidarios de amoldarnos y luchar por ser parte de una sociedad que no quiere progresar, o la de hacer un “borrón y cuenta nueva” para asegurar un mejor futuro.

       En esta nueva entrega nos trasladamos al antiguo Egipto para ver cómo es que el que pareciera ser el primer mutante de la historia, es además el ser más poderoso que haya existido. Sepultado durante siglos, este mutante despierta para ver que el mundo se ha vuelto un desastre al ver como los seres humanos luchan constantemente por el poder, destruyendo todo a su paso debido a su ambición. En base a ello decide que lo mejor para la humanidad será destruir el mundo que conocemos y crear uno nuevo. Para lograrlo tendrá que reunir a un grupo de mutantes que lo ayuden a completar su objetivo.

       De nueva cuenta vemos como Bryan Singer dirige a un elenco multiestelar conformado por Michael Fassbender como Magneto; James McAvoy como Profesor X y Jennifer Lawrence como Mystique los cuales unen fuerzas para enfrentarse a un genial Oscar Isaac como Apocalypse, el villano de la cinta. Sin duda se agradece sobremanera la exploración a los ideales del mismo. Los demás personajes de la cinta hacen una intervención oportuna en la cinta que introduce tanto a nuevos personajes como a otros ya conocidos, esta vez interpretados por nuevos actores que hacen un trabajo destacable. Pese a que en su mayoría hacen un buen trabajo, es una lástima que el tiempo en pantalla de algunos personajes se reduzca a solo un par de líneas, un pecado que la saga viene cometiendo desde su inicio.

        La ejecución de la película progresa de manera amena y lógica ya que las intenciones de los personajes se hacen claras desde un comienzo. Los problemas de la cinta se hacen notorios en poner en comparación la anterior cinta de la serie: Days Of The Future Past. La cuestión es que varias de las situaciones nos resultan bastante parecidas a la cinta en cuestión, tanto como los conflictos entre Magneto y Profesor X, así como lo es la resolución del conflicto, notándose también en algunas escenas cómicas que aunque siguen funcionando, tal parecieran ser la versión 2.0 de lo ya visto en pantalla. Aun así, la cinta se disfruta y los problemas se olvidan fácilmente debido a que el argumento se sostiene y el equilibrio entre personajes es muy verosímil.

         X-Men: Apocalypse no redefine a la saga, pero si resulta un film agradable que se aleja de lo ofrecido por el Marvel Cinematic Universe y las cintas de DC Extended Universe gracias a las cuestiones de su discurso, además de incluir algunos guiños que los fans apreciaran. Eso sí, podemos tolerar un poco de reciclaje cuando este funciona. La cuestión es ¿Qué tanto tiempo funcionara?


Calificación: 8/10

Imagen propiedad de 20th Century Fox, todos los derechos reservados.

viernes, 20 de mayo de 2016

Reseña: La Bruja (The Witch)

Imagen propieda de Universal Pictures, todos los derechos reservados.

Reseña: La Bruja (The Witch)

Género: Terror
Clasificación: B-15
Duración: 93 min.

    Mito o realidad, las historias en torno a la figura de las brujas han estado presente desde tiempos ancestrales. No importa si la primera imagen en venir a nuestra mente sea la típica mujer con sombrero puntiagudo o la de una señora de aspecto longevo: lo que representan es una antítesis de la bondad, de todo aquello que proviene de lo divino. Son un reflejo de la oscuridad, de la perversión. El hecho cambia cuando nos damos cuenta de que esa maldad que parece ajena a nosotros nos alcanza, de que aunque la imagen de la maldad pura encarnada en una bruja no sea la que nos describa físicamente, las acciones que cometemos hablan de que no somos tan puros como imaginábamos.

     La Bruja, cinta dirigida por Robert Eggers se atreve a explorar una historia inspirada en alguns cuentos y documentos del Siglo XVII, llevándonos a 1630 en una época donde se comenzaban a gestar las primeras poblaciones de migrantes británicos. La película pone en pantalla a una familia puritana arraigada fuertemente a su fe religiosa y que es llevada a vivir exiliada en un bosque debido a diferencias con la gente de la villa donde vivían. En ese lugar tendrán que trabajar para sobrevivir, aunque esa sea la menor de las preocupaciones debido a un ser que se oculta en las profundidades del bosque.

      El director de la cinta gano el galardón a mejor director de drama en el Sundance Film Festival 2015 por su trabajo en este film, merito que no le viene a menos: la cinta se particulariza por su cuidado ritmo y originalidad. En un género que parece haberse perdido entre tantas cintas sosas que exploran los mismos trucos baratos que ya conocemos y que se reciclan cinta con cinta, nos encontramos con este film, donde tenemos más bien un acercamiento a la visión del autor acerca del lado oscuro del ser humano, aquel que no nos agradaría para nada explorar. Por ello, aquí no veremos un festival de sangre o un ataque constante de elementos que sobresaltan la pantalla tratando de hacer brincar del asiento al público. Aquí lo que aterra es ver en los personajes aquellas cosas que nos cuesta trabajo admitir, aquellos miedos que nos aquejan a nosotros también, aquellas mismas faltas cuales lastimosamente cometemos. Y es que aún una pequeña mentira al parecer insignificante puede provocar un caos, la más insignificante ofensa herir y llegar a graves consecuencias. Idealizarnos a nosotros mismos como seres malvados no nos resulta agradable en lo absoluto.


    La cinta resulta interesante al ser una propuesta con un argumento por demás sólido, en un panorama donde las películas del género carecen de argumento alguno. Por ello es importante decir que aunque la película no está a la altura de grandes clásicos como The Shinning y The Exorcist,  brilla con luz propia.

Calificación: 8.5/10

Imagen propiedad de Universal Pictures, todos los derechos reservados.

domingo, 8 de mayo de 2016

Reseña: Relatos Salvajes

Imagen propiedad de Warner Bros. Todos los derechos reservados.




Reseña: Relatos Salvajes

Clasificación: R (Mayores de 18 años)
Duración: 122 min.

       
         Los seres humanos somos bestias operando al servicio de los instintos más voraces. No importa si la idea de la concepción de la vida que tengamos es creacionista o darwiniana, todos perdemos el control de la razón al ceder a la más profunda ira, obedeciendo a nuestros instintos. ¿Qué tendría que suceder para que algo tan bajo nos controle? ¿Dónde ha quedado la razón y la cordura?

          Damián Szifrón, quien fungiera como el creador de Los Simuladores (una de las mejores series que se han hecho en Latinoamérica) dirige y escribe esta cinta en la que no tiene miedo de ir hasta la última de las consecuencias para demostrar de lo que somos capaces los seres humanos cuando perdemos el control. A través de historias cortas, vemos las diferentes situaciones en las que varias personas tienen que pasar. El guion avanza de manera perfecta y la desenvoltura de los diferentes conflictos hace que empaticemos con las desventuras que los personajes viven. No importa si se trata de una joven que tiene la oportunidad de matar al hombre que orillo a su padre al suicidio; o ver como un hombre pierde el control a partir de una diferencia con un desconocido en la carretera: Todos podemos sentir el reflejo de una sociedad que grita salvajismo puro, un espejo de nuestra naturaleza que a veces nos cuesta aceptar. Y es que parece no importar que tan cuerda parezca una persona, si ahondamos en su problemática encontraremos el detonante de una bomba que estallará inevitablemente.

          La música de Gustavo Santaolalla se hace notar en la cinta, así como un elenco conformado por una generación de actores argentinos prometedores y consolidados como lo son Ricardo Darín, Erica Rivas, Leonardo Sbaraglia, entre otros, que interpretan de forma magnífica a sus personajes. Sin duda un gran acierto es el guion de la cinta, dado que el estilo del director es notorio, llevando situaciones comunes a lo hilarante que sin duda le da un sello distintivo y lleno de carisma a la película.

           El film sin duda será un referente para el cine argentino contemporáneo, por lo cual valdrá la pena seguir el sobresaliente trabajo de Szifrón en trabajos futuros. Solo nos resta no recurrir a nuestro instinto salvaje en la espera de su siguiente proyecto.


Calificación: 9/10

Imagen propiedad de Warner Bros. Todos los derechos reservados.

Reseña: Desierto


Reseña: Desierto

Clasificación: B-15
Duración: 88 min.

     La travesía de los migrantes latinos en busca del llamado “sueño americano” va más allá de solo soportar los intensos rayos del sol, de las largas caminatas o los inminentes peligros de la naturaleza. En el medio del desierto que muchas personas tienen que atravesar, alguien los vigila silenciosamente, esperando para cazarlos como si de animales salvajes se tratara.

     En Desierto, la segunda cinta del director Jonás Cuarón (hijo de Alfonso Cuarón) podemos observar como un grupo de migrantes que cruza por el desierto son perseguidos salvajemente por un norteamericano que no desea “hospedar” a nadie en los Estados Unidos. Podríamos resumir el argumento de la cinta entre la lucha del migrante y su cazador: Gael García Bernal haciendo del primero, Jeffrey Dean Morgan del segundo.

     La película es una propuesta de thriller en base al tema migratorio, hecho por el cuál la trama mantiene frescura. El problema es que las motivaciones de los personajes son prácticamente inexistentes. De los migrantes solo sabemos que quieren cruzar la frontera, del cazador solamente que tiene el deseo de hacerlo. No se aclara absolutamente nada acerca de las grandes problemáticas de los migrantes o de como es que un hombre decide vivir en el desierto con la intención de balear seres humanos. Cualquier persona que desconozca el tema de la película no podrá adentrarse demasiado en lo presentado en pantalla.

      Aun con ello, Jonás Cuarón lleva muy buen ritmo en el filme, con escenas que nos hacen querer estar viendo la pantalla aún bajo la tensión. La banda sonora de la cinta esta compuesta por el francés Woodkid, haciendo un buen trabajo y agregando un tema musical acorde al estilo del film. Si bien la película se vuelve un ejercicio bastante entretenido, es una lastima que no se profundice en el tema, una gran oportunidad desperdiciada en una cinta que cumple en su misión de mantenernos atentos.
      La película es una opción diferente que vale la pena revisar, pero que nos queda a deber en cuanto a mayor contenido y argumento.


Calificación: 7/10

Reseña: El Hijo de Saúl (Saul Fia)

Imagen propiedad de Avalon Productions, todos los derechos reservados.




Reseña: El Hijo de Saúl (Saul Fia)

Clasificación: B-15
Duración: 107 min.


      ¿En qué mundo vivimos?, ¿Acaso podremos buscar dignidad en un sitio de inmundicia donde se nos priva la oportunidad de elegir? Si viviésemos en Europa, en el periodo del nazismo y nos convirtieran en un servidor que ayuda a quienes asesinan a mi pueblo ¿Qué acciones estaríamos dispuestos a tomar? En una era donde a alguien se le niega el derecho de una despedida digna, de un sepelio que honre la vida de un ser humano ¿Valdrá la pena seguir de pie? Todo se ha perdido. Por ello, aunque suene trillado, vale la pena arriesgarlo todo para devolverle el honor a quienes se les privo de vivir, para dignificar la vida en un mundo de abundante muerte.

      László Nemes, el director de la cinta, nos lleva a ver el holocausto judío desde la perspectiva de Saúl, un hombre con el cargo de sonderkommando, hombres judíos que trabajaban para los nazis y que posteriormente eran asesinados. Saúl ve como un niño es privado de la vida desalmadamente por unos médicos nazis, seguido de ver el acto, comenzará una lucha por darle al infante una despedida digna. Un conflicto del que solo Saúl es testigo, la búsqueda de una persona por devolverle humanidad a un mundo donde solo hay inmundicia.

      Podemos percibir el entorno tal como Saúl lo percibe, gracias a que las tomas de la película están siempre cerca del rostro del protagonista, rodeándolo, enfocando completamente a su persona. El entorno se ve constantemente borroso, no es claro. Sabemos que sucede alrededor a pesar de no verlo claramente, nos volvemos parte de ese mundo, lo percibimos con la piel, con el horrible sonido del lamento de nuestros hermanos en el horno. Por ello ver que toda persona ceda a la desesperación no parece extraño, sin embargo, con ello nuestra lucha se vuelve un pesado recorrido que nadie puede entender.

      La extraordinaria manera en que la cinta fue filmada y su estupendo montaje nos hace hablar de la experiencia como si fuese nuestra, es como un discurso fatídico que desearíamos fuera solo ficción. El verdadero triunfo de la película es que logra trasmitirnos esa sensación de la lucha desesperada por emerger el espíritu humano.

       Aquí más que ver una explosión sangrienta, atestiguamos de manera intima el recorrido de Saúl por una de las épocas más oscuras de la humanidad. En el filme no veremos algo como La Lista de Schindler, El Pianista o La Vida es Bella. El metraje es más personal, más interno, un acercamiento completamente diferente para revelarnos a través de los sucesos de la época como se han desalmado los tiranos y los subyugados han cedido al miedo hasta hacerlos indiferentes.

     ¿Qué acaso nos hará libres el miedo y la cobardía? Creo que solo Saúl parece recordar que aún hay cosas por las cuales vale la pena tener un corazón lleno de coraje. Esperemos, en el anhelo de disipar lo útopico, que no sea solo Saúl.

Calificación: 9/10

sábado, 7 de mayo de 2016

Reseña: Día de las Madres (Mother´s Day)

Imagen propiedad de Open Road Films, todos los derechos reservados.


Reseña: Día de las Madres (Mother´s Day)

Clasificación: B
Duración: 118 min.


      La festividad del día de las madres se ha convertido en una celebración importante debido a que una gran cantidad de personas aprovechan para agradecer todo lo que ese ser humano tan extraordinario ha hecho por nosotros. Hollywood no desaprovecha oportunidades, y una tan jugosa como esta no la podía dejar pasar. Así que bajo el pretexto de la celebración nos trae esta comedia protagonizada por Jennifer Aniston, Kate Hudson, Jason Sudeikis, Britt Robertson y Julia Roberts.

      En el filme, podemos ver como son entrelazadas las historias de varios personajes. Vemos a una madre divorciada luchando con la idea de que no quiere compartir a los hijos con la madrastra, a una madre que no quiere confesarle a sus padres que se ha casado, a una mujer que no puede decidir si casarse con el hombre con quien vive (y que es el padre de su hija), a una mujer que vende joyería en la televisión y a un padre que perdió a su esposa y madre de sus hijos y que se rehúsa a voltear la página. Todo ello en una comedia con sabor a soap opera, a mera telenovela. El asunto es que la trama de la cinta es completamente predecible: con tan solo ver a los personajes ya sabemos cómo terminara todo, no hay un solo riesgo argumental. Los chistes son los comunes en este tipo de comedias, aquellos relacionados con las amas de casa y sus relaciones amorosas resueltas de maneras obvias, por lo cual es obvio que la película es estrictamente dirigida a un público femenino. Aunque algunas situaciones nos resulten divertidas, estas son escasas y rápidamente se olvidan, no hay nada digno de recordar.

     En la cinta no hay algo relevante que la haga sobresalir del resto, y lo peor es que a pesar de que la trama gire alrededor de la figura de la maternidad, en ningún momento se siente como una carta de amor hacía las madres. Parece un collage, un vil copia y pega de otras cintas que ya hemos visto, con una pequeña pisca del día de las madres. Vemos a una serie de personajes cliché, los típicos personajes de familias acomodadas, de esas que piensan que la vida es color rosa, y si acaso algo les sucede jamás será algo realmente grave. El discurso del filme solo se puede aceptar como parte de un poema barato que disfrutaría alguien que nunca se ha leído un poema. Por lo tanto si alguien desea decirle a su madre lo mucho que le ama, será bueno reconsiderar si la mejor opción sea una visita para ver esta cinta, porque hay una probabilidad de que lo sientan más como una mentada a su sagrado nombre.


Calificación: 3/10

domingo, 1 de mayo de 2016

Reseña: Birdman or (The Unexpected Virtue of Ignorance)

Imagen propiedad de Fox Searchlight, todos los derechos reservados.

Reseña: Birdman or (The Unexpected Virtue of Ignorance)

Clasificación: R (Mayores de 18 años)
Duración: 119 min.

     Dentro de los seres humanos hay un temor tremendo que se come nuestras entrañas como ave de carroña. Hambrienta por formar parte del mundo, a una existencia que carece de sentido. Luchamos intensamente por sobresalir, por complacer a un mundo despiadado, incluso sacrificando quienes somos, humillando nuestro inmundo ser solo para recibir palmas de quienes no les importamos un carajo. Todo ello porque nos reusamos a prescindir de nuestro ego, de nuestro yo fatuo.

Imagen propiedad de Fox Serchlight, todos los derechos reservados.
     Por ello ver a un Michael Keaton interpretar a Riggan Thompson, un actor que anteriormente interpretaba a un superhéroe y que vuelve del retiro al montar una obra en Broadway, para con ello demostrar que aún existe, nos resulta abrumadoramente parte de la realidad. No solo porque la historia parezca ser biográfica (debido a que Keaton vivió una situación similar), sino porque esa lucha del ser humano en busca de ser parte de una sociedad hueca nos recuerda nuestra posición como individuos, una versión que nos resulta graciosamente aterradora.

      El director Alejandro G. Iñarritu siempre ha demostrado en su obra una visión sombría del ser humano, donde no tiene temor de mostrarlos en un mundo hostil, sumamente vulnerables, como bestias que sufren y que pueden dañar a los demás. En este caso, hace una combinación asombrosa al mostrarnos ese aspecto del ser humano usando la comedia, con un guion estupendo, con diálogos punzo cortantes, con personajes memorables. Solo basta mencionar a Mike Shiner, el personaje de Edward Norton, un actor dispuesto a ir más allá con tal de darlo todo en escena, un hombre problemático dispuesto a darlo todo por ser el centro de atención, porque la escena le es todo. Todo el reparto nos mete en su personaje con sus increíbles interpretaciones, pues  cada uno de ellos busca ser parte de un mundo que no les reconoce, que solo hace pedazos a quien encuentra a su paso.

Imagen propiedad de Fox Searchlight, todos los derechos reservados.
      La cinta es montada en un increíble plano secuencia, una gran toma sin cortes (al menos, así lo hacen parecer). Emmanuel Lubezki hace un trabajo que hace quitarse el sombrero a cualquiera que lo vea. Las imágenes nos hacen vivir intrépidamente la catarsis que viven los personajes. Todo acompañado de una increíble banda sonora compuesta y tocada por Antonio Sanchez. Escenas al ritmo de la batería que mantienen el ritmo comico, que nos llevan al borde del abismo al que vemos a Riggan.

    Un filme altamente recomendable, acerca de la labor artística en una industria hambrienta de palmas vacías hacía la violencia del entretenimiento. Un acercamiento al sufrimiento del ser, sobre la fatídica existencia humana, abordado alrededor de la búsqueda estúpida y absurda del reconocimiento egocéntrico del ser humano, de cómo nos hace sufrir una vida en donde ser invisibles nos da pavor. Un filme que nos recuerda que somos solamente polvo.


Calificación: 10/10

Imagen propiedad de Fox Searchlight, todos los derechos reservados.